Posts tagged ‘Museo Nacional de Bellas Artes’

31 octubre, 2012

Benjamin Lira: Obras de Estudio

Diversas técnicas para la representación de la figura humana y un riguroso y elaborado trabajo cromático han marcado la extensa trayectoria del reconocido artista nacional. En la sala Matta del MNBA, desde el 11 de octubre y hasta el 30 de diciembre.

La muestra incluye obras creadas a partir de los años setenta: pinturas, dibujos, libros de artista, libros de acuarelas, esculturas de cerámica y bronce, además de diversas piezas de técnica mixta que el artista denomina ensamblajes, presentando una sinopsis de 40 años de incansable labor. Tal como la académica y teórica española Anna Maria Guasch lo describe: “Benjamín Lira es escultor de pinturas y pintor de esculturas; suma de presencias y ausencias, de tradición y vanguardia, de cambio y perennidad”.

Entre las obras destacan Cabeza I (1976), perteneciente a la Colección de Pintura Chilena del MNBA, y Los duques de Urbino, despue´s de Piero (1976), cita de Benjamín Lira al díptico Retrato de Federico de Montefeltro y de su esposa Battista Sforza (1472) del pintor renacentista Piero della Francesca. Las obras evidencian distintas formas de representación de la figura humana, hilo conductor de su extensa trayectoria: “Uso la figura humana que obviamente desde los años setenta hasta ahora, ha ido en evolución, inserta en la contingencia, en el universo, en lo doméstico. Me interesa la figura humana en un contexto, en un paisaje lejano”, explica el artista.

En torno a esta temática, Guasch explica que la obra del autor es “expresión de la angustiosa y doliente experiencia subjetiva, pero también objetiva, de la soledad del ser humano ante sí mismo y ante el mundo. Un ser humano que, a medida que avanzó el siglo veinte y que corre el veintiuno, se ha sentido y se siente progresivamente más angustiado en las relaciones con un entorno cada vez más denso, rico y diverso en objetos y presencias, en imágenes e información, pero seguramente también cada vez más artificial, hostil y agresivo”.

Haciendo referencia a este mismo tópico, el artista, académico y curador Pablo Chiuminatto explica: “Los retratos de Benjamín Lira no tienen rostros y si los pensamos como rostros, son espejos que retratan más que al retrato mismo, la fuerza mítica que posee la representación de la cabeza humana”.

Otro de los ejes presentes en la muestra es el gran dominio del color del artista. “En relación con su trabajo de pintura, resulta difícil rechazar la hipótesis más evidente sobre su obra y su preocupación permanente por el color, sobre todo si esta operación plástica la formula desde un minucioso y elaborado proceso cromático de interacciones y mezclas ópticas. Y no es para menos: Lira busca, ex profeso, esa estimulación retiniana, sabe lo sensible que resultan dichas sensaciones y los climas que despierta”, señala Roberto Farriol, director del Museo Nacional de Bellas Artes.

Finalmente, la idea de ensamblaje, de construcción a través de planos y técnicas, así como de enfrentarse a la realidad en la obra del autor, es descrita por la académica e investigadora chilena Sandra Acattino: “Cuando Benjamín Lira habla de sus pinturas, de sus grabados, de sus acuarelas o de sus dibujos, los llama construcciones. Es una palabra llena de intención, que usa para alejar la idea de representación y de copia mimética de la realidad. Sus imágenes, entonces, no copian el mundo, sino que son, más bien, un proceso de observación y pensamiento. Son especulaciones (en latín, specula es el lugar desde el que se observa y también el acto de observar), están hechas de cálculos y proyectos arriesgados, porque no devuelven lo visible, que es la apariencia de las cosas, sino el registro inacabado e incompleto de nuestra experiencia en el mundo”.

Sobre el artista
Benjamín Lira (n. 1950) es dibujante, pintor y escultor. Su formación artística está marcada por su experiencia y sus estudios en los Estados Unidos, específicamente en el Pratt Institute de Nueva York, ciudad en la cual residió hasta 1992. En el ámbito de la plástica nacional, su obra se inscribe dentro de las propuestas neofigurativas de las últimas cuatro décadas. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas. Es académico de número de la Academia de Bellas Artes del Instituto de Chile.

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19 agosto, 2012

La Nave/Museo Nacional de Bellas Artes

Exposición: La Nave

Los artistas chilenos Alejandro Albornoz, Fernando Allende y Manuel Escobar se reúnen tras casi cuatro décadas, para exponer pinturas, acuarelas y dibujos. En el primer piso, ala Sur, desde el 10 de agosto, hasta el 23 de septiembre. Inauguración jueves 9 de agosto, a las 19:30.

Obras de distintos formatos, pinturas, acuarelas y dibujos conforman el universo de los tres creadores quienes a representan situaciones oníricas y espacios imaginarios que transitan entre la figuración y la abstracción, la divagación y el paisaje urbano.

Los tres artistas se conocieron en 1973 cuando ingresaron a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, compartiendo ideales y sueños de una época marcada por la efervescencia y por los cambios políticos, sociales y culturales que acontecieron en las décadas siguientes. Por eso acordaron que la exposición fuese titulada La Nave, símbolo de una travesía emprendida en conjunto.

Fernando Allende presenta pinturas, dibujos a tinta y lápiz donde predominan los paisajes urbanos. Alejandro Albornoz despliega una crítica social a través de la figuración presente en dibujos, acuarelas y dibujos a tinta y lápiz. Finalmente, Manuel Escobar expone sus pinturas abstractas con seres antropomorfos en medio de tintas y trazos de pintura que inundan la obra dando paso a una gestualidad exuberante.

Exposiión: La Nave
Fechas:10/08 al 23/09/2012
Lugar:Dibam
Dirección:Parque Forestal S/N.Santiago, Chile

16 enero, 2012

Guía de arte: Semana del 14 al 28 de enero de 2012.

 

Semana del 14 al 28 de enero de 2012.

Hasta el 27 de enero: De Lo Existente a lo Ausente

Óleos de distintos formatos  de Soledad Reyes (1), inspirados principalmente en la experiencia de sus años vividos en Brasil. Estos trabajos también estarán disponibles desde el 28 de enero al 12 de febrero en la exposición colectiva Expo Arte Santo Domingo.
Dirección: Casa de la Cultura Santo Domingo, Las Orquídeas 2, Santo Domingo.
Información Comuna Santo Domingo

Hasta el 29 de enero: Guayasamín en Chile, 1969

Doce grabados  de Oswaldo Guayasamín, que le regaló a Eduardo Frei Montalva durante su visita a Chile en 1969, con motivo de su exposición  La Edad de la Ira, en el Museo Nacional de Bellas Artes,(1) es lo que se exhibe en esta muestra.
Dirección: Universidad de Valparaíso Sala El Farol, Blanco 1113, Valparaíso.

Hasta el 22 de enero : Muchedumbre

El fotógrafo Jorge Brantmayer inmortalizó los rostros de 400 santiaguinos, conformando una especie de mapa antropológico visual de quienes habitan la capital. La muestra de este trabajo forma parte de las actividades paralelas del festival Santiago a Mil.
Dirección: GAM, Alameda 227, Metro U. Católica.

El sitio http://www.streetartutopia.com escogió las 106 mejores imágenes de arte callejero alrededor del mundo del 2011. Incluyen desde recientes grafitis de Banksy, afiches, pegatinas, hasta “guerrilla croché”, coloridos tejidos que envuelven árboles, postes, esculturas y todo lo que se les cruce por delante.

Hasta el 22 de enero: 10 Bienal Video y Artes Mediales

La celebración de los diez años de esta bienal trae exhibiciones, un homenaje a Wolf Vostell (importante representante del movimiento Fluxus), un coloquio internacional, talleres técnicos y teóricos y una feria libre de industrias creativas. Además de la décima edición del Concurso Iberoamericano a la Creación y Autoría Audiovisual Juan Downey, y una retrospectiva de la BVAM, con trabajos exhibidos en sus anteriores versiones. Las actividades se están llevando a cabo en el Museo de Arte Contemporáneo, el Museo Nacional de Bellas Artes, el Centro Cultural Gabriela Mistral, el Centro Cultural de España y la Factoría Italia.

El título de esta edición es Deus ex Media, y pone énfasis en obras que trascienden el medio tecnológico para privilegiar la relación con el contexto actual, el concepto, estética y sentido de la obra, más allá del efecto tecnológico. En la exhibición central que rescata ese concepto, actualmente en el MAC, participan Andrea Gana, Pamela Cuadros, Andrea Wolf, Juan Pablo Langlois + Nicolás Superby, Ernesto Klar, Ann, Ricardo O Nascimiento, Eliane Weizmann y Gustavo Romano, entre otros.

En paralelo, en la Cineteca Nacional del Centro Cultural Palacio La Moneda se proyectarán documentales y películas relacionados, donde destaca Olafur Eliasson: Space is Process, un seguimiento de cinco años al artista danés-islandés famoso por crear experiencias multisensoriales a través de sus esculturas e instalaciones, y que se exhibe el miércoles 18 de enero.

Fuente

10 octubre, 2011

Museo Nacional de Bellas Artes: André Kertész

Aunque nunca estuvo interesado en retratar la contingencia política, la obra del húngaro André Kertész se forjó en medio del campo de batalla. Corría 1914, estallaba la I Guerra Mundial y tras abandonar una incipiente carrera en la Bolsa de Valores, el veinteañero se unió como alférez en el 26 Regimiento de Infantería del batallón polaco, del que al poco tiempo salió herido de gravedad del brazo izquierdo. Imposibilitado de seguir en el frente, Kertész fue derivado a un centro de rehabilitación, en el que pasaba las tardes con su cámara fotográfica, la verdadera pasión de su vida. Los amigos soldados lo instaban a que les hiciese retratos, él en cambio gozaba capturando las luces cambiantes del día y los reflejos que se formaban cuando alguien se zambullía en la piscina del recinto.

Así nació en 1916 Nadador bajo el agua, una de sus primeras y más emblemáticas instántaneas, que ya revelaban su particular mirada, pendiente de los detalles cotidianos y alejada de las espectaculares y violentas escenas bélicas.

Su imaginario visual es revisado por primera vez en Chile, con una gran retrospectiva que abre el próximo jueves 13 en el Museo de Bellas Artes. Bajo el nombre El doble de una vida, se reúnen alrededor de 200 imágenes tomadas por el húngaro, en 60 años de carrera, marcada por sus diferentes residencias: en Budapest (1894-1925), donde inició sus flirteos con la cámara, en París (1925-1936) lanzó su exitosa carrera bajo el alero de las vanguardias y en Nueva York (1936-1962) conoció la ingratitud del mercado editorial, para ser reconocido luego, al llegar a museos y salas.

” Kertész tiene una capacidad notable para componer y encuadrar las escenas, que proviene, al mismo tiempo, de una profunda intuición y de una lógica espacial muy racional”, dice Milan Ivelic, director del Bellas Artes. “Su influencia radica en la mirada del mundo anónimo, que también rescató Henri Cartier-Bresson y Roberto Doisneau. A ellos ya los tuvimos en 2004 y en 2008 en el museo. Con Doisneau reunimos a más de 100 mil personas. Esperamos que ocurra lo mismo con Kertész”

Sin etiquetas

Atraído desde niño por la fotografía que revisaba en viejas revistas alemanas como Die Gartenlaube, Kertész decidió precozmente que su futuro sería ir por la vida con una cámara colgando del cuello. Su primera foto conocida la hizo en 1912, retratando a su hermano Jenö en un bar de Budapest (Muchacho durmiendo). Después registró la guerra a través de un soldado que escribe una carta en el cuartel o una fila de hombres caminando tras una dura jornada.

El fotógrafo se fue a París en 1925. Lo mismo hicieron otros compatriotas que junto a él le dieron prestigio mundial a la fotografía húngara: Robert Capa, Emeric Fehér y Brassaï, están en la lista.

“Todos dejaron Hungría por motivos políticos e hicieron carrera lejos de la tierra natal. Hoy la fotografía húngara es igual de potente, pero lamentablemente para ser famosos los artistas siguen radicándose en el extranjero”, dice Péter Baki, director del Museo Húngaro de la Fotografía, inaugurado en 1990, y que posee más de un millón de fotos de artistas locales. “Kertész revolucionó la fotografía e importó una nueva perspectiva visual, que yo llamo fotografía humanista”.

Además del archivo fotográfico que posee el museo dirigido por Baki, existe un gran acervo custodiado por el Estado francés, donado por el mismo Kertész en 1984, un año antes de morir. Esas imágenes son las que llegan ahora al país, luego de ser exhibidas en el museo Jeu de Paume, de París, en 2010.

La gran mayoría corresponde justamente al período parisino, donde Kertész catapultó su fama. Allí se involucró con los surrealistas y estrechó amistad con Man Ray, Piet Mondrian y Sergei Eisenstein. Eso sí, nunca se sintió parte de ningún grupo artístico. “Su obra fue atrapada por los surrealistas, quienes lo querían dentro del movimiento. El siempre negó el vínculo”, aclara la fotógrafa húngara radicada en Chile Ilonka Csillag. “Su búsqueda fue más allá de cualquier etiqueta o patrón fotográfico”, agrega. Músicos callejeros, niños jugando en el campo, amantes en un café y calles desiertas, pero llenas de perspectivas, replentan su obra.

Tras París, vino Nueva York, una ciudad que lo trató con desdén. Tuvo innumerables peleas con los editores de las revistas para las que trabajó (House & Garden, Vogue, Life), por las fotos rígidas y poco atrevidas que le hacían tomar. Renunció y por bastante tiempo vivió gracias a un negocio de perfumes que llevó su esposa, Elizabeth. Se desquitó luego, al realizar su serie más alabada, que tomó desde la ventana de su departamento en Washington Square. “Fue pionero del fotoperiodismo al inventar el concepto de serie fotográfica, pero para mí su real importancia está en el rescate de los personajes anónimos. Me impactaron también sus trabajos en color, que no conocía y que ahora he podido ver. No abusa del cromatismo y hay un equilibro entre la imagen y el color con un resultado potente y siempre subjetivo”, adelanta Ivelic.

El doble de una vida

Del 13 de octubre al 31 de diciembre en el Museo de Bellas Artes (Parque Forestal s/n). De martes a domingo de 10 a 18.50 horas. $ 300 y $ 600. Domingos, gratis. La muestra es gestionada por el fotógrafo Luis Weinstein y la gestora Verónica Besnier, y se enmarca dentro de la Semana Francesa, que organiza la Cámara de Comercio Franco-Chilena con el apoyo del Instituto Francés de Chile.

Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes
Actividad: Fotografía / André Kertész: El doble de una vida
Fecha: 14 de Octubre al 31 de Diciembre 2011
Dirección: Parque Forestal S/N.Santiago, Chile
Fono: Mesa Central (562) 499 16 00
Fax: (562) 639 32 97

19 septiembre, 2011

MNBA: Septiembre -Octubre

De los panoramas que esta presentando el Museo Nacional de Bellas Artes, recomendamos:

Colección de Pintura: Brasil Brasileiro

Setenta y nueve obras seleccionadas por el curador Fabio Magalhães resumen más de dos siglos de pintura del Brasil. En la Sala Matta del MNBA, desde el 14 de septiembre hasta el 23 de octubre.

La exposición se suma a las actividades del Día Nacional de Brasil y se enmarca en el Convenio de Cooperación Cultural recientemente firmado entre el MNBA y el Banco do Brasil, a través de su Centro Cultura.

La obra de 50 artistas, en su mayoría provenientes de la Colección del Centro Cultural de Banco do Brasil fue seleccionada por el curador Fabio Magalhães, bajo cuatro ejes temáticos con el fin de mostrar los nexos entre la pintura y la identidad cultural brasileña, sin la pretensión de construir un relato sobre la historia del arte de dicho país. Las secciones son: Nuestra tierra; Nuestra gente; Nuestras fiestas, creencias y sueños y Nuestras luchas.

Fabio Magalhães, el curador de Brasil Brasileiro, realizará una visita guiada a la prensa y al público general el martes 13 a las 16:00 horas.

Instalación en Sala Chile: Alex Feliming “Galileo Galilei

El artista brasileño Alex Flemming invita a reflexionar sobre los conceptos de viaje y en el cambio de paradigma de Occidente con una instalación de 50 tocadiscos y globos terráqueos. Entre el 7 de septiembre y el 23 de octubre en la Sala Chile del MNBA.

Galileo Galilei es un proyecto itinerante que se ha expuesto en Berlín, Río de Janeiro, Sao Paulo y que en cada centro de exhibición se monta con tocadiscos reciclados. El MNBA invitó al público general desde febrero a abril de 2011, a contribuir con el montaje donando tocadiscos antiguos de cualquier tipo o tamaño, que serán incorporados a la instalación en el museo.

Con el montaje de 50 globos terráqueos que giran sobre tocadiscos reciclados, Alex Flemming, artista brasileño residente en Berlín, propone una reflexión sobre la teoría heliocéntrica de Galileo, quien en el siglo XVI se adhirió a la teoría de Copérnico que afirmaba que el centro del Universo no era la Tierra sino el Sol, contraviniendo así las teorías imperantes y modificando radicalmente el conocimiento científico y la cosmovisión europea. Al citar este hito, Flemming también realiza una crítica a la construcción del conocimiento en Occidente con miras a la recuperación de una visión antropocéntrica, es decir, situando al hombre en el centro del universo.

Con esta obra Flemming además se refiere a la condición contemporánea del artista, que se desplaza frecuentemente para realizar y exponer sus obras, un viajero y a la vez agente de la globalización de la cultura.

Trayectoria del artista:

Alex Flemming ha participado en numerosas exhibiciones individuales y colectivas en Brasil, Alemania, Australia, Portugal, Holanda, Italia y Estados Unidos. Su obra forma parte de colecciones de museos internacionales como del Museo de Arte de Birmingham, Estados Unidos; Casa de Las Américas, La Habana, Cuba; Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa, Portugal; Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Sao Paulo, Brasil; Museo de Arte Moderno (MAM), Sao Paulo, Brasil; Museo de Arte Moderno (MAM), Río de Janeiro, Brasil; Museo de Arte de Sao Paulo (MASP), Brasil; Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), Santiago, Chile; Museo de Artes de Brasilia, Brasil; Museo Nacional de Bellas Artes, Río de Janeiro, Brasil; Pinacoteca del Estado de Sao Paulo, Brasil; Colección de Arte Latinoamericano de la Universidad de Essex, Inglaterra.

Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes
Dirección: Parque Forestal S/N. – Casilla 3209 Santiago, Chile
Teléfono: Mesa Central (562) 499 16 00- Fax: (562) 639 32 97

12 agosto, 2011

Museo Nacional de Bellas Artes / Habitar en lo biodiverso

La participación del MNBA(def) con una exposición especial en la IV Bienal Internacional de Arte de Beijing durante septiembre del año 2010, respondió a una invitación de la Embajada de la República Popular China y la Federación de Círculos Artísticos y Literarios de ese país. El envío estuvo a cargo del director del Museo Milan Ivelic y la Curatoría de Patricio M. Zárate.

La Bienal se organizó en torno al tema medioambiental y la existencia humana, por tanto la curatoría buscó artistas que de forma propia o incidental hubiesen abordado temas relacionados. Finalmente se reunió obras de los y las artistas Bernardita Vattier, Julen Birke, Rodrigo Opazo, Paula de Solminihac, Francisca García y Rosario Carmona de Santiago; Carolina Maturana, Claudia Inostroza, Nicolás Sáez, Héctor Pavés, Fernando Melo y Jorge Pasmiño de Concepción.

La selección de obras fotográficas e instalaciones se relaciona con dos zonas geográficas de alto desarrollo económico y densidad poblacional en nuestro país, que por ende son afectadas por problemas de concentración urbana, el uso de suelos, la contaminación y la sobrexplotación productiva. Las experiencias de artistas locales de las ciudades de Santiago y de Concepción permiten abordar aspectos amplios como la territorialidad y la relación con el paisaje incluyendo el traslado y el viaje. Para otros artistas es más visible el deterioro creciente del entorno y la calidad de vida de las personas y es posible apreciar en sus obras los efectos de un crecimiento acelerado y sin regulación que afecta tanto a los recursos renovables como los no renovables. Tampoco es ajena a esta muestra la inclemencia de la propia naturaleza que se manifiesta en catástrofes como el terremoto del 27 de febrero del 2010.

Curador: Patricio M. Zárate

Vive y trabaja en Santiago, Chile. Actualmente es administrador y curador del proyecto Museo sin Muros del Museo Nacional de Bellas Artes. Dentro de sus curatorías destacan Subversiones / Imposturas, IV Bienal de Arte. Museo Nacional de Bellas Artes, 2004; Los Giros en la Pintura, Proyecto Museo sin Muros, 2004; Museo de la Solidaridad Salvador Allende, reinauguración de la colección, 2006; Habitar: Topologías recientes sobre el lugar, Proyecto Museo sin Muros, 2008; Generación del Centenario, Colección Pinacoteca Universidad de Concepción, Museo Nacional de Bellas Artes, 2010; Habitar lo Biodiverso, IV Bienal Internacional de Arte de Beijing, 2010; Entorno al Paisaje & El Cuerpo del Arte, entre el pudor y el desacato, Museo Nacional de Bellas Artes, 2010; Fuera de Lugar, Museo Nacional de Bellas Artes, 2010.

Artistas:

Julen Birke

Nació en Santiago de Chile en 1973. Licenciada en Artes Plásticas, con mención en Escultura, por la Facultad de Artes de la Universidad Finis Terrae, Santiago, Chile. Es candidata a Magíster de Artes Visuales de la Universidad de Chile. Estudió en Alemania en la Kunstakademie Düsseldorf desde 2003 a 2005. Desde el 2007 es profesora de la Universidad Mayor en la Facultad de Artes Visuales y desde 2009 profesora de la Universidad Diego Portales en la Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño.

Ha realizado diversas exposiciones individuales y proyectos entre las que se destacan: Cultivo Zonificado, Galería Die ecke, Santiago; Quarks, escultura Urbana, Santiago 2009; Añañuca, Stiftung DKM, Duisburg, Alemania 2005; Flor de Museo, IV Bienal de Arte, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, 2004; Floración, Centro Cultural Matucana 100, Santiago 2003; Siembra, Autopista los Libertadores, Colina, Santiago 2002; Habitabilidad Aérea, Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago 1999. Ha recibido importantes premios entre los que destacan dos Fondart de creación, un Fondart de pasantía, la Beca Fundación Andes y la beca del DAAD otorgada por el gobierno Alemán.

Su obra se encuentra en diversas colecciones públicas y privadas, dentro de las que destacan: Stiftung DKM, Alemania; Universidad de Talca, Chile; Universidad Finis Terrae, Chile; Museo de Artes Visuales, MAVI, Chile; Banco de Chile; Banco Santander, Chile y Compañía Chile Tabaco.

Julen Birke es representada en Santiago de Chile por la Galería Die Ecke

Rosario Carmona

Nació en Santiago de Chile en 1983. Es Licenciada en Artes Visuales de la Universidad de Chile y Magíster en Artes Visuales de la misma universidad. Vive en Santiago, donde además se desempeña como profesora de las Universidades Andrés Bello y Uniacc.

Su obra extiende los soportes pictóricos tradicionales, relacionando la pintura de bodegón con el trompe l oeil en miniatura, incorporando imágenes de la cotidianeidad generalmente menospreciadas y desechadas, presentándolas de forma repetitiva y regladamente. Entre sus exposiciones individuales destacan: Las Partes en Galería Moro, el año 2010, Diseminación en Galería Die Ecke, el año 2009 y Hábito de Disciplina Estéril en Galería BECH, el año 2008.

En entre su participación en colectivas destacan: Archipiélago en Galería Concreta, Matucana 100, año 2010; Cohortes en el Museo de Arte Contemporáneo, año 2009; Lengua al plato en Sala SAM el año 2009; Conduit, Museo de Artes Visuales, año 2007.

Desde el 2009 dirige la galería Espacio Lugar junto al artista Javier González.

Ha obtenido la beca Fondart del Ministerio de la Cultura el 2007 y 2008.

Francisca García

Nació en 1969.Vive y trabaja en Santiago, Chile.

Estudió Licenciatura en Arte en la Pontificia Universidad Católica de Chile y Realización cinematográfica en la Escuela de Cine de Chile.

Su obra aborda la relación existente entre el lenguaje visual y el audiovisual, analizando los mecanismos de producción y lenguaje que los caracterizan. De esta forma establece conexiones y diferencias que permiten crear un modelo híbrido de obra, producto de un trabajo multidisciplinario inserto dentro de las artes visuales. Entre sus exposiciones individuales destacan: 2008 Antarktikos, Galería Puntángeles, Valparaíso, Chile. Señales Luminosas, Galería AFA, Santiago, Chile. 2006 Rundum die Landschaft, Kunstverein Ahlen, Alemania. Exterior, diorama, Centro Cultural Matucana 100, Santiago, Chile.

Entre sus exposiciones colectivas destacan: 2010 Chili L envers du décor, Espace Culturel Louis Vuitton, París, Francia; 2009 VII Bienal del Mercosur, Grito e Escuta, Porto Alegre, Brasil; Trienal de Chile, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile; 2007 Daniel López Show, Roebling Hall, Nueva York, Estados Unidos; 2005 Transformer, Centro Cultural Matucana 100, Santiago, Chile; 2002 I Bienal de Arte de Fortaleza, Fortaleza, Brasil; Políticas de la Diferencia, Arte Iberoamericano fin de siglo, Museo MALBA, Buenos Aires, Argentina; 2000 VII Bienal de Arte de La Habana, Cuba.

Premios Beca Fondart del Ministerio de la Cultura el 1999, 2002, 2005. Beca Creación e Investigación Artística, Fundación Andes 2005.

Claudia Inostroza

Nació en Concepción, Chile, en 1978. Es egresada de Licenciatura en Artes Plásticas de la Universidad de Concepción, Comunicadora Audiovisual y Gestora cultural.

Vive en Concepción, Chile, donde se desempeña como encargada del Área de conservación y documentación del archivo fotográfico de la Universidad de Concepción y es miembro del Colectivo de fotografía autoral Concepción Fotográfica C/CF.

Su obra desarrolla la fotografía como acto poético y acontecimiento ritual, creando un imaginario posible que habla de una zona arcaica e inconsciente. Entre sus exposiciones colectivas destacan Humedales, Museo Nacional de Bellas Artes,proyecto Museo sin Muros, Sala de Arte Mall Plaza Vespucio, 2009-2010; Sala de Arte Mall Plaza Trébol, Concepción-Talcahuano, 2010 y De Hechos, Centro Cultural Estación Mapocho 2010.

Carolina Maturana

Nació en Concepción, Chile en 1966. Es Licenciada en Educación con mención en Artes Plásticas de la Universidad de Concepción de Chile.
Vive en Concepción, donde además se desempeña como profesora de la Corporación Cultural Artistas del Acero.

Su obra es un ejercicio reiterado de búsqueda, una investigación sistemática de territorio y del lugar, señalando problemáticas de sustentabilidad, desarrollo productivo y faena laboral. Esta exploración la obliga a extender los límites y posibilidades de los dispositivos visuales, procurando nuevas modalidades de presentación y relación del público con el arte contemporáneo. Entre sus exposiciones individuales destacan: Ropa Tendida, Plaza Independencia de Concepción en 2005; Proyecto PMBB13, en Concepción en 2007; La Horda, Pinacoteca Universidad de Concepción en 2005; Álbum de Familia, Sala de Arte Laberinto en Tomé, en 2004.

Entre sus exposiciones colectivas destacan: Humedales, dislocación de un imaginario especular, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago y Concepción en 2009; Patrimonio del Hambre, VI Bienal de Arte Contemporáneo Triatlón, MNBA, Santiago en 2008; Sous-vide, MNBA, Concepción en 2007; La Colección, Entre Cruces Biobío Paraná, Museo MACRO, Rosario Argentina,en 2006.
Ha obtenido la beca Fondart del Ministerio de la Cultura el 2004.

Fernando Melo

Nació en Concepción, Chile en 1964. Es licenciado en Educación Mención Artes Plásticas de la Universidad de Concepción. Vive en esa ciudad, donde se desempeña como profesor en el Departamento de Artes Plásticas en la misma universidad.

Su trabajo fotográfico aborda principalmente temáticas del paisaje, produciendo condiciones de alteración lumínica y trazos lineales reales que modifican y generan alteridades perceptuales en los territorios naturales. La alteridad radical y común en su trabajo es la línea, que proyecta fugas reales, dimensionando y relativizando la percepción del paisaje. La iluminación que utiliza es una combinación de condiciones naturales y de dispositivos eléctricos.

Entre sus principales exhibiciones se encuentran: Intervenciones, Cruces y Desvíos, fotografía chilena contemporánea, Museo Nacional de Bellas Artes, 1998; IV Bienal de Arte, Subversiones e imposturas, Museo Nacional de Bellas artes, 2004; Fotografía sem fotografía, Guimaraes Portugal, 2004; 5ª Bienal de Artes Visuales del MERCOSUR Porto Alegre, Brasil, 2005; Paisaje, Figura humana y Bodegón, una revisión a la fotografía chilena contemporánea, Museo Nacional de Bellas Artes, Sala de Arte Plaza Vespucio, 2006; Chile Sobre vive 20 años de fotografía contemporánea chilena, Galería Afa, 2007; seleccionado para el primer catalogo de excelencia por la mesa de internacionalización de la fotografía chilena contemporánea, 2009.

Rodrigo Opazo

Nació en Santiago de Chile en1964. Tiene estudios de arquitectura y es fotógrafo autodidacta. Actualmente ejerce como profesor de fotografía de la Universidad UNIACC.

Ha realizado diversas exposiciones tanto individuales como colectivas. Entre las individuales destacan: Referencias de otro Domingo, Centro Cultural de las Condes 1996; Photokontexto 1999 y La Otra ciudad, en el Centro de Extensión de la Pontificia Universidad Católica de Chile, 2002; La Otra Ciudad, Pinacoteca de la Universidad de Concepción, 2003; Transhumante, Casa lo Matta, 2004 y Universidad de Talca 2005; Las Bellas Durmientes, Librería y Galería Metales Pesados 2006; Deshabitado en Galería Trece 2006 y Galería UNIACC; Territorio Recorrido, Galería AFA 2007; Expositor Galería AFA, Feria Internacional de arte contemporáneo, ArteBA, Buenos Aires ArteBA, Argentina 2007 y 2008.

Jorge Pasmiño

Nació en Traiguén, Chile en 1953. Es Licenciado en Artes, mención Pintura, profesor de Artes Plásticas en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Estudios de Maestría en Artes Visuales UNAM, México D.F. Vive en Concepción. Actualmente es docente en la Universidad de Concepción.

En los últimos años su producción visual se ha caracterizado por realizar ejercicios constantes de observación y documentación del paisaje mediante la fotografía en espacios cercanos a la ciudad de Concepción, así como en el borde costero de la VIII Región. A modo de registro, su trabajo visual captura modelos de vida natural violentados y transformado por siniestros. Estos paisajes son seleccionados y exhibidos como evidencia de la agresión; escenarios de desastres arrasados por el fuego, donde siempre está presente la impronta humana. Entre sus exposiciones individuales destacan: Efecto Colateral en Pinacoteca Universidad de Concepción, Concepción Chile, año 2008; Centro Cultural Borges, año 2009, Buenos Aires Argentina.

Entre sus exposiciones colectivas destacan: Humedales–Perspectiva de un imaginario especular, Museo Nacional de Bellas Artes, Proyecto Museo sin Muros, sala Mall Plaza Vespucio, Santiago, sala Mall Plaza Trébol Concepción-Talcahuano, año 2009-2010; Des–hechos, Colectivo Concepción Fotográfica, Sala Joaquín Edwards Bello, Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago, 2010.

Ha realizado proyectos de producción individuales y colectivos FONDART – DIUC Universidad de Concepción.

Héctor Pavés

Nació en Concepción en 1978. Es fotógrafo y músico. Vive en la ciudad de Concepción donde trabaja como fotógrafo en proyectos vinculados a la antropología y el rescate de la oralidad. Colabora en la enseñanza de la técnica fotográfica analógica y propicia el uso de software libre para fotografía digital.

Su obra indaga en el registro de vestigios; objetos y territorios que se relacionan con la memoria desde la emotividad. Entre sus exposiciones colectivas destacan Humedales, Museo Nacional de Bellas Artes, Proyecto Museo sin Muros, Sala de Arte Mall Plaza Vespucio, 2009-2010, Sala de Arte Mall Plaza Trébol, Concepción-Talcahuano, 2010.

Desde el año 2007 se exhiben sus trabajos en el blog Aceituna

Nicolás Sáez

Nació en Concepción, Chile en 1973. Es arquitecto de la Universidad del Bio-Bío (2001) y Magíster en Didáctica Proyectual (2010) de la misma universidad.

Vive y trabaja en Concepción desempeñándose como coordinador de extensión de la Escuela de Arquitectura UBB (2007-), es director de arte y diseño de la revista Arquitecturas del Sur de la Facultad de Arquitectura, Construcción y Diseño UBB (2005-); es profesor de taller de arquitectura inicial en UBB (2001-) y en la carrera de Arquitectura de la Universidad de las Américas (2004-). Es integrante del Colectivo Concepción Fotográfica (2008-).

Su obra indaga en la memoria visual ciudadana intentando representar la relación y tensión entre la ciudad y sus moradores. Entre sus exposiciones individuales destacan Sobrebaldosas, visión y revisión, Fondart 2009, en Sala Marta Colvin, Chillán 2010; Sala Artistas del Acero y Sala Andes en Concepción 2009; (FaS) Fotografía Superficial Fondart 2007, en Sala UBB, Concepción 2007.

Entre sus exposiciones colectivas destacan De-hechos, Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago 2010; Humedales, dislocación de un imaginario especular, Sala MNBA Plaza Vespucio, Santiago 2009. 27 EXP, imágenes en envase desechable, Sala Artistas del Acero, Concepción 2009; Qué queda cuando el agua se va, Sala UBB 2008; Saldo a favor, Matucana 100, Santiago 2008.

Su obra es parte de la segunda versión del Catálogo de Excelencia de Fotografía Contemporánea Chilena del Consejo Nacional de la Cultura y la Artes, Área de Fotografía, septiembre 2010.

Paula de Solminihac

Nació en Santiago de Chile en 1974. Es Licenciada en Artes Visuales de la Pontificia Universidad Católica de Chile y Magíster en Artes Visuales de la Universidad de Chile. Vive en Santiago, donde además se desempeña como profesora de la Pontificia Universidad Católica de Chile.

Su obra tiene sus orígenes en la cerámica. El análisis de los procedimientos de dicha labor le condujeron a una investigación con distintos materiales y referentes del ámbito de lo cotidiano. Entre sus exposiciones individuales destacan: Nadie quiere morir en Galería Isabel Aninat y en Universidad UNIACC el año 2008; In Absentia para FotoAmérica en Galería Patricia Ready el año 2006; In Absentia en Museo del Barro, Asunción, Paraguay el año 2006; Living en Centro de Arte Cecilia Palma, 2005.

Entre exposiciones colectivas destacan: Panorama Atual da Fotografía, Valu Oria Galería de Arte, Sao Paulo, Brasil; Menú de hoy, Museo Nacional de Bellas en 2007 y Del otro lado, arte de mujeres en Chile, Centro Cultural Palacio La Moneda en 2005. Fue curadora del Taller Artes del Barro para la primera Trienal de Chile el año 2009.

Ha obtenido la beca Fondart del Ministerio de la Cultura el 2000. 2005.

Bernardita Vattier

Nació en Valparaíso, Chile. Vive y trabaja en Santiago, Chile.

Su obra tiene sus orígenes en la escultura y está fuertemente influenciada por su profesión de Arquitecto de Interiores de FAAP, Sao Paulo, Brasil y de Diseñadora Teatral de Escola Artes Visuais, Rio de Janeiro, Brasil.

Ha realizado exposiciones individuales y ha participado en más de 100 colectivas, entre ellas: VII Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe, San Juan, Puerto Rico; XX Bienal de Sao Paulo, Brasil; Courier for the Interchange of Small Stamps, 3a Bienal de la Habana, Cuba; Chile Artes Visuales Hoy; I Bienal Internacional de Johannesburgo, Sudáfrica; ARCO/97, Madrid, España; II Bienal de Grabado del Mercosur, ArteBA, Buenos Aires, Argentina; Chilean Art Crossing Borders; XI Trienal de Arte de Nueva Delhi, India; Bienal de Praga, República Checa.

Premio de la Crítica 1987, Círculo de Críticos de Arte de Valparaíso. Artista seleccionada por Fundación Andes para la publicación de una monografía de su obra; Full Fellowship Award, Vermont Studio Center, Vermont, USA.

Evento: Exposición.
Titulo: Habitar en lo Biodiverso
Descripción: Obras fotográficas e instalaciones de doce artistas de Santiago y Concepción, presentadas en la IV Bienal Internacional de arte de Beijing en 2010.
Lugar: Ala Norte del segundo piso del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA)
Fechas: desde el 17 de agosto al 25 de septiembre del 2011
Dirección: Parque Forestal S/N.Santiago, Chile
Teléfono: Mesa Central (+56 2) 499 16 00

9 julio, 2011

Corporación Cultural Las Condes.RM.

Homenaje a Claudio Bravo

Los años chilenos 1951-1960

Con motivo de la repentina muerte del pintor Claudio Bravo, la Corporación Cultural de Las Condes decidió modificar completamente su calendario de exposiciones y remontar la muestra “Claudio Bravo. Los años chilenos 1951-1960”, una selección de alrededor de 80 dibujos y pinturas, correspondientes a la primera etapa de Claudio Bravo, cuando aún vivía en Chile, que se exhibió en esta misma institución en el año 2005.

La exposición da a conocer una faceta distinta de uno de los pintores chilenos más prestigiosos en el mundo entero, una verdadera leyenda por su retraído estilo de vida y exótico universo. En la oportunidad, se presentará nuevamente el documental “Claudio Bravo, la pupila del alma”, realizado por Hugo Arévalo, que recorre la vida y trayectoria de Claudio Bravo, y cuenta con el testimonio personal del artista, quien habla de su relación con el arte y la belleza. Las imágenes están captadas en Chile, España y Marruecos.

También se incorporarán nuevas pinturas, correspondientes al mismo período (década del 50), y que nunca antes han sido exhibidas.

La idea de la Corporación Cultural de Las Condes fue rescatar la primera etapa del pintor en Chile, antes que partiera a Europa en 1961, y conectar a este gran artista con su tierra. Hoy, seis años después de esa gran exposición, la corporación quiere rendirle un homenaje. Son especialmente dibujos y algunas pinturas, todas obras realizadas en Concepción y Santiago. Muchas de ellas corresponden a un Bravo de 15 años de edad, cuando aún estaba en el colegio. Sin embargo, la maestría en el dibujo es innegable y ya da luces del connotado artista en que se transformó.

Radicado en Marruecos desde la década del 70, la obra de Claudio Bravo es conocida en los cinco continentes y se ubica entre las que han alcanzado un mayor precio en el mercado internacional. Sin embargo, no fue sino hasta 1994 que el público local pudo apreciar en directo la maestría del pintor en la exposición que se llevó a cabo ese año en la Sala Matta del Museo Nacional de Bellas Artes, y que hasta el momento ha sido una de las más vistas en la historia de las exposiciones en Chile, con 180 mil espectadores, sólo superada por “De Cézanne a Miró”, en 1968 (220.000 personas).

Miles de personas se agolpaban cada día para admirar la destreza de Bravo y entender por qué es considerado uno de los pintores más renombrados del mundo. Desde entonces Bravo pertenece al imaginario local y aunque no se puedan contemplar sus últimas creaciones sino sólo a través de fotografías, el artista despierta un interés inusual que traspasa barreras sociales y culturales.Si Si bien es cierto que su pintura sorprende por su factura, es en el dibujo donde residen sus mayores fortalezas y por sobre todo en el tratamiento de la figura humana, donde su destreza alcanza la perfección. Fueron justamente sus dibujos los que le abrieron la puerta al tremendo éxito que ostenta hoy.

Han pasado cinco décadas desde que Bravo dejó nuestro país, sin embargo de una u otra manera mantuvo el contacto con Chile. Sus dibujos de adolescente y otros realizados después se encuentran celosamente guardados en muchas colecciones privadas y nunca han salido a la luz pública.

Pintor desde siempre

Claudio Bravo nació en 1936 en Valparaíso. Fue el segundo entre siete hermanos y creció en un entorno familiar tranquilo y protegido por el carácter recto y serio de su padre, Tomás Bravo Santibáñez y la tierna dedicación de su madre, Laura Camus Gómez. Estudió en el Colegio San Ignacio de Santiago. Según señala la periodista Sonia Quintana en el catálogo, “no sólo llamó la atención de sus profesores por su facilidad para dibujar, sino que fue celebrado como solista en el coro y activo participante en las academias literaria, de música y de teatro en las que dejó la huella de sus prometedoras capacidades…”.

En 1951 el profesor de castellano Alfredo Peña organizó un grupo teatral y Claudio Bravo, junto a Héctor Noguera, Adolfo Couve, Salvador Villanueva, Jorge Cox y Ricardo Bezanilla fueron los participantes más entusiastas. Se montó “Cumbres de fe” y al año siguiente, Claudio Bravo hizo el maquillaje y la escenografía de la adaptación de “Tom Playfair”, de Francisco Finn.

Interno en el colegio, regresaba los fines de semana al fundo familiar en Melipilla, donde se dedicaba a pintar, montar a caballo y nadar, sus grandes pasiones. “Para mí la felicidad es estar pintando un cuadro que me apasiona y que me tiene concentrado y entretenido. No sé vivir sin la pintura”.

Para Sonia Quintana, “pareciera que ese consagrado realista que es ahora, ese creador de mundos inventados, de ordenador perfeccionista que no soporta el caos, ya se manifestaba en esos años, puesto que su mayor empeño lo ponía en generar una realidad a su medida suprimiendo toda amenaza que pudiera alterar su intuitiva búsqueda de la armonía”.

Gracias al Padre Prefecto Francisco Dussuel, tomó clases con el maestro Miguel Venegas Cifuentes, con quien estableció una relación de profundo afecto. “Fuiste el primero que me enseñó de los aceites, los colores y los aguarrases”, le escribía desde Europa cuando ya había conquistado reconocimiento y fama.

“El retrato se me daba muy bien”

A los 17 años inauguró su primera exposición individual y rápidamente vendió todos sus cuadros. A los 19 repitió la hazaña. “A partir de ese momento la obra de Claudio Bravo empezó a ser aplaudida por el público, ignorada por la mayor parte de los pintores y discutida por la crítica, un fenómeno que se repetirá a través del tiempo. Para muchos su creación suscita reacciones opuestas equivalentes al amor o el odio. Indiferencia nunca”, expresa Sonia Quintana.

Después de egresar del colegio, se dividió entre el trabajo de taller y las lecturas y diálogos encaminados a satisfacer su anhelo de ampliar sus conocimientos. Encontró orientación en compañía de intelectuales como Luis Oyarzún, filósofo, Benjamín Subercaseaux, escritor, y Luis Alberto Heiremans, dramaturgo. A los 21 años partió a Concepción y descubrió que “el retrato se me daba muy bien”. Es así como dejó un importante registro de sus dibujos y pinturas a la sociedad penquista de la época.

A los 24 años se fue a Europa, primero pensando en París, pero finalmente se quedó en Madrid, donde rápidamente comenzó una glamorosa vida social y empezó a retratar a las más importantes personalidades de la época. Llegó a pintar más de 300 retratos en ocho años, incluyendo al Rey Juan Juan Carlos, a la Reina Sofía y a las Infantas.

En 1970 realiza una exposición en Nueva York, que obtiene muy buena crítica. Entonces, decide hacer un cambio radical y se radica en Tánger, Marruecos. La atmósfera es de una intensidad única. “El color, la luz, el paisaje, los olores y sonidos armonizan con su gente que, vestida con su típica túnica o chilaba, parece sacada de un pasaje bíblico. Esta realidad, en la que conviven pasado y presente, conforma un universo misterioso que incita fuertemente a la exploración. Es difícil imaginar un mejor escenario para el cambio de giro existencial de un artista”, dice Sonia Quintana.

Su carrera, administrada por una galería internacionalmente reconocida, de la que es artista exclusivo, junto con Botero o Tamayo, alcanza los más altos niveles de cotización en el mercado mundial. En 1994 se realiza la gran exposición en Chile, que se convierte en un fenómeno sociológico y coincide con el reencuentro del artista con su país: adquiere una propiedad en la Región de los Lagos y empieza a viajar anualmente, con el pincel en la mano, a recuperar sus raíces. Pero en el año 2000 vende sus tierras y se despide de Chile. En Marrakech restaura una antigua mansión y se establece allí por temporadas –como dice Sonia Quintana- “sin romper sus propias reglas de ermitaño”

Evento: Homenaje a Claudio Bravo
Fecha: 16 de julio al 28 de agosto de 2011
Lugar: Salas segundo piso
Lugar:Corporación Cultural de Las Condes
Dirección: Avda. Apoquindo 6570
Teléfono:(+56 2)3669393
Horario: Martes a domingo, 10.30 a 19.00 horas
Entrada: liberada / adhesión voluntaria

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